martes, 28 de agosto de 2007
Antonio Pessoa
El Experto en Arte , informado
http://www.xornalgalicia.com/print.php?sid=23530
Antonio Pessoa se estrena en Galicia 2007 en la Sala Panaderas,La Coruña al lado de colegas artistas como Balsa,Zelada,Berride,Patiño,entre otros,talentos que llevan en la sangre su pasión por el arte y por la Tierra.
Se sabe que es una gran satisfacción para Pessoa seguir siendo abrazado con creciente cariño por una Galicia cada dia más internacional y contemporánea pero básicamente una Tierra,una región,un País el cual sigue logrando provocar en el artista un remolino de pasiones y emociones,lo que es muy natural teniendo
en cuenta no sólo los maravillosos años vividos en Vigo,sino también todo lo que Galicia ha hecho por su carrera artistica sin olvidar los muchos lazos afectivos que todavia siguen intactos como vínculos inquebrantables para toda la vida.
Antonio Pessoa en la Primavera y Verano de 2007 sigue siendo noticia,ahora mismo a prepararse obstinadamente para una nueva tarea,un nuevo desafio llamado Arte Informado.Una nueva,apasionante,
estimulante y refrescante faceta de un hombre ya bastante polifacético como además ya es su tradición y indudablemente uno de los sellos y marca de su reputación.
¿Qué es lo que ocurre?
Antonio Pessoa pura y simplemente se está volviendo uno de los más credibles expertos en mercado del arte contemporáneo,Historia del Arte ,empezando a manejar interesantes intercambios de información
con los peces gordos del mundillo artistico ibérico y internacional.
¡ Vete a saber !
Y,lógicamente,conociendo a pronfundidad la organización y el sistema laboral de Pessoa,una clase de hombre acostumbrado a sacar adelente proyectos "imposibles",a nadie le cabe duda de que
muy pronto vamos a tener una nueva postura de Pessoa dentro del ámbito del arte contemporáneo gallego,español y universal.
Una postura y una realidad personificada por un artista decidido a abarcar un conocimento profundo y global ,un contraste muy interesante fruto de una visión de creatividad,acción,movimiento,
intercambio y comunicación de hecho a punto de la puesta en práctica,en escena,en vivo y en directo.
-Desafortunadamente - atípicamente al contrario de la mayoria de los artistas,Pessoa no solo no teme la competencia como se vale incluso de fabricar proyectos destinados a apoyar colegas artistas de escasa proyección al exterior ,sin embargo,según su criterio,dotados de especial talento como para ser desperdiciado
y despreciado en el agobiante y injusto estigma del anonimato.
Nombres consagrados como Slater Bradley,Nancy Spero, Mike Kelley,Fernando Botero,Jeremy Deller,Janet Cardiff,Valerie Export...entre muchos otros,ahora mismo ya hacen parte de la agenda de contactos de Antonio Pessoa,un señor experto en en el laberinto del mercado del arte contemporáneo y de hecho cada dia más y más informado hasta el punto del automatismo del conocimiento absoluto,lo que seguramente le va hacer permitirse el lujo de disfrutar de una natural soltura acrobática como para realizar estimulantes maniobras de comunicación,intercambio,divulgación del arte gallego y peninsular en Europa Centro y Estados Unidos.
No obstante,Pessoa reconoce que "quien mucho abarca poco aprieta",porlotanto sus objetivos y metas de corto y mediano plazo muy probablemente se van a centrar en la Peninsula y Nueva York.
Pero como el movimiento se demuestra andando y gran conocedor del norte de Europa desde su adolescencia,la cuestión que se sugiere,es efectivamente hasta que punto y hora Antonio Pessoa logrará dominar la tentación de disparar uno que otro dardo de intervención hacia Holanda,Suiza y Alemania.
Pessoa se confiesa a diario desvelando sus dudas y valorando el parecer de sus colaboradores escuchando detenidamente la opinión de los demás.La verdad es que esta su forma de trabajar en plan de santa democracia,le está aportando una soberana y merecida capacidad de discernimiento,pensamiento crítico y
lógicamente poder de decisión.
En términos de comparación y mucho más allá de la utopia y del mito,Antonio Pessoa,doctorado em Historia Universal ,de la misma forma que defiende convictamente de que Cristóbal Colón era de hecho ciudadano gallego,como experto en arte contemporáneo,defiende convictamente que la gran solución de raíz es el deseo de saber,la persistencia y pertinencia del conocimiento,información,comunicación,sabiduria y acción.
¿ Y ahora,qué ?
¿Improvisar sobre la marcha?De acuerdo,de alguna forma eso es lo que va ocurrir,no obstante todos nosotros a sabiendas de que con Pessoa hay que seguir un método y una disciplina basados en una estructura sólida,efecto de un profundo y intenso estudio informativo al cual todo un equipo de colaboradores se
ha comprometido y en que se han involucrado bajo la directriz de um hombre firme en sus propósitos y convicciones.
Asi es como se hace,damas y caballeros,y de hecho es asi que Antonio Pessoa,fervoroso admirador de Eugenio Granell,Leiro,Alfonso Costa,Xaime Quessada y Jorge Castillo,opina que hay muchos talentos en Galicia que se merecen la debida oportunidade en el contexto peninsular y internacional de las artes plásticas.
Efectivamente este es uno de los programas de relevancia inseridos en el Proyecto Pessoa,un procedimiento de acción y comunicación,intercambio y promoción,siempre estimulado por la fuerza de un dinamismo coherente y pragmático que ya se va adaptando placenteramente al ritmo de cortar el aliento,que justamente caracteriza el frenético mundo del arte contemporáneo.
Este desarrollo evolutivo y metamorfósico que mucho ha cambiado el estilo de vida de Pessoa a lo largo de los últimos seis meses empieza a dar nitidas señales de um compromiso sin vuelta atrás,sino de hecho ahora mismo ya una realidad en plena marcha mismo tratandose de un desafio de una
envergadura notable y valiente.
¿Y que pasa con la Obra de Antonio Pessoa ?
Precisamente la Obra de Pessoa sigue más viva y actual que nunca,revestida de una nueva vitalidad,indudablemente reflejo de un espiritu cada vez más abierto al mundo,a la solidaridad, reflejo de un alma y pensamiento encendido con la llama del deseo de compartir,comunicar,aprender,protejer,educar,un
emocionante conjunto de ideas bien claras,conceptos declaradamente positivos,humanitarios,constructivos y por cierto intransigentemente antinarcisistas.
Una Obra que refleja un cielo despejado,un corazón acojedor,una energia vital inspirada en valores morales,principios de puro humanismo pedagógico.
Esta cosmovisión de Pessoa se puede decir que es de hecho el alma de un estilo de saber estar y vivir en el mundo del arte contemporáneo,algo distinto a la tipica postura de los artistas,lo que facilmente demuestra una natural y a veces desconcertante originalidad.
Definir cualquiera es siempre un ejercicio bastante complejo,pero definir Antonio Pessoa es desde luego una tarea maestra.
La expresión plástica apenas logra traducir fragmentos dispersos sin embargo la Obra Completa de Pessoa,más allá de las técnicas mixtas sobre lienzo,sugiere y implica una dimensión artistica muchisimo más interesante.Su vida y su Proyecto.
Por consiguiente,una vez asimilada esta situación polifacética en todos los sentidos,plataformas y direcciones,uno acaba por aceptar a Pessoa no tanto como sencillamente un artista más,sino como una fuerza generadora de intuición inventiva,esa cualidad de todos los hombres y mujeres que de una forma u otra
han contribuido para un mundo mejor.
Y indudablemente Antonio Pessoa es um buen paradigma de este polifacetismo constructivo,visionário y a la vez realista,coherente y pragmático.
El Experto en Arte informado
Desde 2005 que Antonio Pessoa no para de entablar contactos en Europa y Estados Unidos,jóvenes criticos de arte,profesores de Historia del Arte,artistas,escritores y naturalmente directores de prestigiosas galerias,centros de arte,museos y,por supuesto,curadores de arte,al fin y al cabo los más entendidos y los más informados.
Este amplio abanico de contactos y colaboradores ha sido la principal fuente de información y el principal vehículo de suministro de datos,estadísticas,referencias y hasta secretos,esa clase de propinas informativas las cuales poco a poco van haciendo la radical diferencia entre la santa ignorancia y el conocimiento global del mercado del arte contemporáneo internacional,sus reglas generales,noticias,informes puntuales,oscilaciones articulatorias y entrelíneas.
Antonio Pessoa que se considera a si mismo todavia un ignorante curioso,la verdad es que de hecho no es para tanto.
En realidad Pessoa se ha vuelto un erudito conocedor del mundo del arte actual,sus rios y afluentes,cabos y montañas.
Este amplio conocimiento autodidacta empieza ahora mismo a exhibir sus vigorosos resultados,conectando artistas con curadores,coleccionistas de arte con artistas en vías de desarrollo y inevitablemente,la Plástica Gallega con el Mundo.
Pierre Fontanals
El Experto en Arte , informado
http://www.xornalgalicia.com/print.php?sid=23530
Antonio Pessoa se estrena en Galicia 2007 en la Sala Panaderas,La Coruña al lado de colegas artistas como Balsa,Zelada,Berride,Patiño,entre otros,talentos que llevan en la sangre su pasión por el arte y por la Tierra.
Se sabe que es una gran satisfacción para Pessoa seguir siendo abrazado con creciente cariño por una Galicia cada dia más internacional y contemporánea pero básicamente una Tierra,una región,un País el cual sigue logrando provocar en el artista un remolino de pasiones y emociones,lo que es muy natural teniendo
en cuenta no sólo los maravillosos años vividos en Vigo,sino también todo lo que Galicia ha hecho por su carrera artistica sin olvidar los muchos lazos afectivos que todavia siguen intactos como vínculos inquebrantables para toda la vida.
Antonio Pessoa en la Primavera y Verano de 2007 sigue siendo noticia,ahora mismo a prepararse obstinadamente para una nueva tarea,un nuevo desafio llamado Arte Informado.Una nueva,apasionante,
estimulante y refrescante faceta de un hombre ya bastante polifacético como además ya es su tradición y indudablemente uno de los sellos y marca de su reputación.
¿Qué es lo que ocurre?
Antonio Pessoa pura y simplemente se está volviendo uno de los más credibles expertos en mercado del arte contemporáneo,Historia del Arte ,empezando a manejar interesantes intercambios de información
con los peces gordos del mundillo artistico ibérico y internacional.
¡ Vete a saber !
Y,lógicamente,conociendo a pronfundidad la organización y el sistema laboral de Pessoa,una clase de hombre acostumbrado a sacar adelente proyectos "imposibles",a nadie le cabe duda de que
muy pronto vamos a tener una nueva postura de Pessoa dentro del ámbito del arte contemporáneo gallego,español y universal.
Una postura y una realidad personificada por un artista decidido a abarcar un conocimento profundo y global ,un contraste muy interesante fruto de una visión de creatividad,acción,movimiento,
intercambio y comunicación de hecho a punto de la puesta en práctica,en escena,en vivo y en directo.
-Desafortunadamente - atípicamente al contrario de la mayoria de los artistas,Pessoa no solo no teme la competencia como se vale incluso de fabricar proyectos destinados a apoyar colegas artistas de escasa proyección al exterior ,sin embargo,según su criterio,dotados de especial talento como para ser desperdiciado
y despreciado en el agobiante y injusto estigma del anonimato.
Nombres consagrados como Slater Bradley,Nancy Spero, Mike Kelley,Fernando Botero,Jeremy Deller,Janet Cardiff,Valerie Export...entre muchos otros,ahora mismo ya hacen parte de la agenda de contactos de Antonio Pessoa,un señor experto en en el laberinto del mercado del arte contemporáneo y de hecho cada dia más y más informado hasta el punto del automatismo del conocimiento absoluto,lo que seguramente le va hacer permitirse el lujo de disfrutar de una natural soltura acrobática como para realizar estimulantes maniobras de comunicación,intercambio,divulgación del arte gallego y peninsular en Europa Centro y Estados Unidos.
No obstante,Pessoa reconoce que "quien mucho abarca poco aprieta",porlotanto sus objetivos y metas de corto y mediano plazo muy probablemente se van a centrar en la Peninsula y Nueva York.
Pero como el movimiento se demuestra andando y gran conocedor del norte de Europa desde su adolescencia,la cuestión que se sugiere,es efectivamente hasta que punto y hora Antonio Pessoa logrará dominar la tentación de disparar uno que otro dardo de intervención hacia Holanda,Suiza y Alemania.
Pessoa se confiesa a diario desvelando sus dudas y valorando el parecer de sus colaboradores escuchando detenidamente la opinión de los demás.La verdad es que esta su forma de trabajar en plan de santa democracia,le está aportando una soberana y merecida capacidad de discernimiento,pensamiento crítico y
lógicamente poder de decisión.
En términos de comparación y mucho más allá de la utopia y del mito,Antonio Pessoa,doctorado em Historia Universal ,de la misma forma que defiende convictamente de que Cristóbal Colón era de hecho ciudadano gallego,como experto en arte contemporáneo,defiende convictamente que la gran solución de raíz es el deseo de saber,la persistencia y pertinencia del conocimiento,información,comunicación,sabiduria y acción.
¿ Y ahora,qué ?
¿Improvisar sobre la marcha?De acuerdo,de alguna forma eso es lo que va ocurrir,no obstante todos nosotros a sabiendas de que con Pessoa hay que seguir un método y una disciplina basados en una estructura sólida,efecto de un profundo y intenso estudio informativo al cual todo un equipo de colaboradores se
ha comprometido y en que se han involucrado bajo la directriz de um hombre firme en sus propósitos y convicciones.
Asi es como se hace,damas y caballeros,y de hecho es asi que Antonio Pessoa,fervoroso admirador de Eugenio Granell,Leiro,Alfonso Costa,Xaime Quessada y Jorge Castillo,opina que hay muchos talentos en Galicia que se merecen la debida oportunidade en el contexto peninsular y internacional de las artes plásticas.
Efectivamente este es uno de los programas de relevancia inseridos en el Proyecto Pessoa,un procedimiento de acción y comunicación,intercambio y promoción,siempre estimulado por la fuerza de un dinamismo coherente y pragmático que ya se va adaptando placenteramente al ritmo de cortar el aliento,que justamente caracteriza el frenético mundo del arte contemporáneo.
Este desarrollo evolutivo y metamorfósico que mucho ha cambiado el estilo de vida de Pessoa a lo largo de los últimos seis meses empieza a dar nitidas señales de um compromiso sin vuelta atrás,sino de hecho ahora mismo ya una realidad en plena marcha mismo tratandose de un desafio de una
envergadura notable y valiente.
¿Y que pasa con la Obra de Antonio Pessoa ?
Precisamente la Obra de Pessoa sigue más viva y actual que nunca,revestida de una nueva vitalidad,indudablemente reflejo de un espiritu cada vez más abierto al mundo,a la solidaridad, reflejo de un alma y pensamiento encendido con la llama del deseo de compartir,comunicar,aprender,protejer,educar,un
emocionante conjunto de ideas bien claras,conceptos declaradamente positivos,humanitarios,constructivos y por cierto intransigentemente antinarcisistas.
Una Obra que refleja un cielo despejado,un corazón acojedor,una energia vital inspirada en valores morales,principios de puro humanismo pedagógico.
Esta cosmovisión de Pessoa se puede decir que es de hecho el alma de un estilo de saber estar y vivir en el mundo del arte contemporáneo,algo distinto a la tipica postura de los artistas,lo que facilmente demuestra una natural y a veces desconcertante originalidad.
Definir cualquiera es siempre un ejercicio bastante complejo,pero definir Antonio Pessoa es desde luego una tarea maestra.
La expresión plástica apenas logra traducir fragmentos dispersos sin embargo la Obra Completa de Pessoa,más allá de las técnicas mixtas sobre lienzo,sugiere y implica una dimensión artistica muchisimo más interesante.Su vida y su Proyecto.
Por consiguiente,una vez asimilada esta situación polifacética en todos los sentidos,plataformas y direcciones,uno acaba por aceptar a Pessoa no tanto como sencillamente un artista más,sino como una fuerza generadora de intuición inventiva,esa cualidad de todos los hombres y mujeres que de una forma u otra
han contribuido para un mundo mejor.
Y indudablemente Antonio Pessoa es um buen paradigma de este polifacetismo constructivo,visionário y a la vez realista,coherente y pragmático.
El Experto en Arte informado
Desde 2005 que Antonio Pessoa no para de entablar contactos en Europa y Estados Unidos,jóvenes criticos de arte,profesores de Historia del Arte,artistas,escritores y naturalmente directores de prestigiosas galerias,centros de arte,museos y,por supuesto,curadores de arte,al fin y al cabo los más entendidos y los más informados.
Este amplio abanico de contactos y colaboradores ha sido la principal fuente de información y el principal vehículo de suministro de datos,estadísticas,referencias y hasta secretos,esa clase de propinas informativas las cuales poco a poco van haciendo la radical diferencia entre la santa ignorancia y el conocimiento global del mercado del arte contemporáneo internacional,sus reglas generales,noticias,informes puntuales,oscilaciones articulatorias y entrelíneas.
Antonio Pessoa que se considera a si mismo todavia un ignorante curioso,la verdad es que de hecho no es para tanto.
En realidad Pessoa se ha vuelto un erudito conocedor del mundo del arte actual,sus rios y afluentes,cabos y montañas.
Este amplio conocimiento autodidacta empieza ahora mismo a exhibir sus vigorosos resultados,conectando artistas con curadores,coleccionistas de arte con artistas en vías de desarrollo y inevitablemente,la Plástica Gallega con el Mundo.
Pierre Fontanals
cGac Centro Gallego de Arte contemporánea
exposición Carme Nogueira/ Apolonia Sustersic
Un centro de arte contemporáneo es, tradicionalmente, un espacio aséptico para la contemplación de obras de arte, un cubo blanco donde mostrarlas fuera de contexto, separadas del resto de los objetos de la vida cotidiana.Cuando Apolonija Sustersic y Carme Nogueira comenzaron a trabajar en una propuesta para el CGAC, su punto de partida fue realizar una intervención en el Doble Espacio, un cubo blanco literal que es físicamente el corazón del centro. Al diseñar esta sala, el arquitecto portugués Álvaro Siza planteó un corredor volado, inaccesible, como un gesto de autor con intención únicamente estética. Nogueira y Sustersic se han propuesto, a través de la construcción de una nueva arquitectura, reconfigurar el programa de uso de ese espacio: han creado una planta intermedia que convierte este lugar en un nodo de intercambio relacional.Su intervención específica consiste en una plataforma que funciona como comunicación con la planta baja y como espacio de documentación y de lectura. El espacio inferior es un lugar de trabajo, para seminarios, talleres y conferencias. A la pasarela, antes impracticable, se le devuelve su sentido al convertirse en un paso al exterior, con un banco-mirador mediante el cual el centro de arte se abre al parque de Bonaval: el paisaje, que siempre había estado ahí como representación, visible a través de un vano inaccesible, ofrece ahora una posibilidad de disfrute desde dentro.Con la posibilidad de recorridos nuevos, con un espacio social multifuncional donde antes había una sala de exposición, esta intervención de larga duración permite cuestionarse la asepsia del cubo blanco, reprogramado para generar efectos expansivos en todo el museo. Sus materiales de construcción –madera de encofrado y estructura de andamio– remiten a un uso colectivo, invitan a un programa abierto, en mutación, convirtiendo al centro mismo en un auténtico think tank para la realización de actividades en las que lo importante es el intercambio, la anulación de jerarquías y la posibilidad de nuevas formas de relación.La intervención forma parte de A trama rururbana, un proyecto de Carme Nogueira y Pablo Fanego para el CGAC –en el que también participa Ibon Aranberri–, que indaga, de forma crítica y procesual y con variadas actividades, sobre la especial configuración del territorio gallego.Carme Nogueira En su trayectoria artística, Carme Nogueira (Vigo, 1970) ha trabajado la crítica corporal al concepto de identidad o la intimidad doméstica con respecto a su posición de género. Actualmente trabaja sobre los procesos de subjetivización y la función normalizadora de los espacios a través de la fotografía y la instalación. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Doctora por la Universidad de Vigo. Ha sido profesora asociada e investigadora en dicha universidad, y becada en la Hochschule der Künste, Berlín. Fue parte fundadora de la revista de arte y cultura Fe (1995-1999). Es autora del estudio La representación como puesta en escena: para una teoría de la mirada (Alfons el Magnanim, Valencia, 2001), sobre la confluencia entre el arte y el espectador en los modelos de representación poshistóricos, afrontando el análisis de las diversas estrategias culturales y políticas de identidad que se dan en esta relación. En sus últimos trabajos plantea la resistencia cotidiana a los usos impuestos en la ciudad, en dispositivos espaciales específicos de gran complejidad. Apolonija SustersicApolonija Sustersic (Ljubljana, 1965) se describe a sí misma con ironía como professional foreigner, como una profesional a quien la posición de outsider le proporciona el legítimo y liberador punto de partida para su trabajo. En los países y ciudades a los que es invitada para desarrollar un proyecto, Sustersic examina el contexto local para observar en él ciertas condiciones o problemáticas que son la base de su proceso de investigación. Su respuesta artística al contexto es inseparable de este trabajo previo, y consiste con frecuencia en la habilitación de puntos de documentación y reunión, o en la construcción de diversos modelos de comunicación.Las intervenciones públicas de Apolonija Sustersic se conciben como un work in progress que desenvuelve un riguroso proceso de exploración crítica del terreno y realiza una acción específica a través de la formación eventual de una colectividad de usuarios. Situadas en una zona indeterminada entre el arte y el servicio público, sus obras suscitan algunos interrogantes sobre la función o posición del arte y de la arquitectura en la sociedad contemporánea.
exposición Carme Nogueira/ Apolonia Sustersic
Un centro de arte contemporáneo es, tradicionalmente, un espacio aséptico para la contemplación de obras de arte, un cubo blanco donde mostrarlas fuera de contexto, separadas del resto de los objetos de la vida cotidiana.Cuando Apolonija Sustersic y Carme Nogueira comenzaron a trabajar en una propuesta para el CGAC, su punto de partida fue realizar una intervención en el Doble Espacio, un cubo blanco literal que es físicamente el corazón del centro. Al diseñar esta sala, el arquitecto portugués Álvaro Siza planteó un corredor volado, inaccesible, como un gesto de autor con intención únicamente estética. Nogueira y Sustersic se han propuesto, a través de la construcción de una nueva arquitectura, reconfigurar el programa de uso de ese espacio: han creado una planta intermedia que convierte este lugar en un nodo de intercambio relacional.Su intervención específica consiste en una plataforma que funciona como comunicación con la planta baja y como espacio de documentación y de lectura. El espacio inferior es un lugar de trabajo, para seminarios, talleres y conferencias. A la pasarela, antes impracticable, se le devuelve su sentido al convertirse en un paso al exterior, con un banco-mirador mediante el cual el centro de arte se abre al parque de Bonaval: el paisaje, que siempre había estado ahí como representación, visible a través de un vano inaccesible, ofrece ahora una posibilidad de disfrute desde dentro.Con la posibilidad de recorridos nuevos, con un espacio social multifuncional donde antes había una sala de exposición, esta intervención de larga duración permite cuestionarse la asepsia del cubo blanco, reprogramado para generar efectos expansivos en todo el museo. Sus materiales de construcción –madera de encofrado y estructura de andamio– remiten a un uso colectivo, invitan a un programa abierto, en mutación, convirtiendo al centro mismo en un auténtico think tank para la realización de actividades en las que lo importante es el intercambio, la anulación de jerarquías y la posibilidad de nuevas formas de relación.La intervención forma parte de A trama rururbana, un proyecto de Carme Nogueira y Pablo Fanego para el CGAC –en el que también participa Ibon Aranberri–, que indaga, de forma crítica y procesual y con variadas actividades, sobre la especial configuración del territorio gallego.Carme Nogueira En su trayectoria artística, Carme Nogueira (Vigo, 1970) ha trabajado la crítica corporal al concepto de identidad o la intimidad doméstica con respecto a su posición de género. Actualmente trabaja sobre los procesos de subjetivización y la función normalizadora de los espacios a través de la fotografía y la instalación. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Doctora por la Universidad de Vigo. Ha sido profesora asociada e investigadora en dicha universidad, y becada en la Hochschule der Künste, Berlín. Fue parte fundadora de la revista de arte y cultura Fe (1995-1999). Es autora del estudio La representación como puesta en escena: para una teoría de la mirada (Alfons el Magnanim, Valencia, 2001), sobre la confluencia entre el arte y el espectador en los modelos de representación poshistóricos, afrontando el análisis de las diversas estrategias culturales y políticas de identidad que se dan en esta relación. En sus últimos trabajos plantea la resistencia cotidiana a los usos impuestos en la ciudad, en dispositivos espaciales específicos de gran complejidad. Apolonija SustersicApolonija Sustersic (Ljubljana, 1965) se describe a sí misma con ironía como professional foreigner, como una profesional a quien la posición de outsider le proporciona el legítimo y liberador punto de partida para su trabajo. En los países y ciudades a los que es invitada para desarrollar un proyecto, Sustersic examina el contexto local para observar en él ciertas condiciones o problemáticas que son la base de su proceso de investigación. Su respuesta artística al contexto es inseparable de este trabajo previo, y consiste con frecuencia en la habilitación de puntos de documentación y reunión, o en la construcción de diversos modelos de comunicación.Las intervenciones públicas de Apolonija Sustersic se conciben como un work in progress que desenvuelve un riguroso proceso de exploración crítica del terreno y realiza una acción específica a través de la formación eventual de una colectividad de usuarios. Situadas en una zona indeterminada entre el arte y el servicio público, sus obras suscitan algunos interrogantes sobre la función o posición del arte y de la arquitectura en la sociedad contemporánea.
jueves, 23 de agosto de 2007
Manuel ABELENDA Zapata
Nace en Perillo (provincia de La Coruña, España) en 1889, perteneció a una familia muy humilde, se inició en trabajos artesanales antes de entregarse a la pintura; los únicos estudios relacionados con este arte los hizo en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal, en la que pronto destaca y obtiene los modestos premios de la época. Con un complemento económico concedido por la Diputación Privincial viaja a Madrid, en donde se integra en las enseñanzas del Círculo de Bellas Artes.
En los años que preceden a la guerra europea viaja a Roma becado por la Academia de Bellas Artes coruñesa. A partir de esos años realiza numerosas exposiciones en ciudades gallegas, Madrid y Barcelona. Nuevamente, con una beca de la Diputación coruñesa, viaja a Italia, Suiza y Francia en 1930. Su paisajismo obtiene éxito, confirmado por la obtención de la tercera medalla en la Exposicón Nacional de Bellas Artes de 1943.
Distinguido por diversas instituciones, su obra se muestra en Europa y América, de hecho, en museos de Sudamérica figuran obras suyas, así como en el de Arte Moderno de Madrid y en todos los de Galicia.
Abelenda fue por completo ajeno a todas las innovaciones europeas de su tiempo. Por el contrario, apegado a el paisaje de su tierra, la interpreta con modos técnicos emparentados con el impresionismo y con un sentimiento lírico intimista, de raíz literaria
Nace en Perillo (provincia de La Coruña, España) en 1889, perteneció a una familia muy humilde, se inició en trabajos artesanales antes de entregarse a la pintura; los únicos estudios relacionados con este arte los hizo en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal, en la que pronto destaca y obtiene los modestos premios de la época. Con un complemento económico concedido por la Diputación Privincial viaja a Madrid, en donde se integra en las enseñanzas del Círculo de Bellas Artes.
En los años que preceden a la guerra europea viaja a Roma becado por la Academia de Bellas Artes coruñesa. A partir de esos años realiza numerosas exposiciones en ciudades gallegas, Madrid y Barcelona. Nuevamente, con una beca de la Diputación coruñesa, viaja a Italia, Suiza y Francia en 1930. Su paisajismo obtiene éxito, confirmado por la obtención de la tercera medalla en la Exposicón Nacional de Bellas Artes de 1943.
Distinguido por diversas instituciones, su obra se muestra en Europa y América, de hecho, en museos de Sudamérica figuran obras suyas, así como en el de Arte Moderno de Madrid y en todos los de Galicia.
Abelenda fue por completo ajeno a todas las innovaciones europeas de su tiempo. Por el contrario, apegado a el paisaje de su tierra, la interpreta con modos técnicos emparentados con el impresionismo y con un sentimiento lírico intimista, de raíz literaria
Sala Panaderas
http://www.galeria-arte.es/antonio-pessoa/2-30-2-30.htm
Antonio Pessoa
Dende Panderas Galeria de Arte queremos achegarvos a obra do pintor Antonio Pessoa. Unha obra imaxinativa, comunicativa, de gran soltura técnica, erudítamente escrita por un mago do pincel
Antonio Pessoa comezou os seus estudos en Holanda, participando en diversos WorkShops,o cal imprimiu na sua obra a maestría da tradicional e esixente Escola de Flandes.
Ós 31 anos, deixa a sua actividade como músico de Jazz para dedicarse en corpo e alma á pintura.
Entre 1997 y 2001, Antonio Pessoa viviu entre Vigo e Oporto, polo tanto a sua obra foi inevitablemente influenciada pola pintura galega.
Nomes como Xaime Quessada, Rafael Alonso, Lodeiro, Laxeiro, entre outros,tiveron na sua obra unha influencia decisiva e fórtemente lexible todavía.
Sen embargo, Antonio Pessoa soubo prestar á nova pintura galega unha refrescante solución plástica e temática, opcións quizais algo mais vangardistas, algo mais mezcladas co panorama estético internacional das artes plásticas.
Antonio Pessoa expón duas veces -Octubre y Noviembre 2004- en Chicago, na David Leonardis Gallery.
O seu primeiro contacto co público americano déixalle unha pegada de positivismo e unha fiestra aberta rumbo a un novo futuro no outro lado do Atlántico.
No 2005, Antonio Pessoa deixa a pintura para volver ao debuxo puro. En palabras do artista:"Para min os debuxos son os meus verdadeiros e mais genuinos orixinais. O debuxo puro é a base primordial de todo o meu trabajo sobre lenzo".
O artista tranquilízase no seu método, disciplina, relixiósamente dedicado ao seu traballo como o excelente profesional da Arte Contemporánea que é.
2006 segue cunha exposición no prestixioso Hotel Lapa (Lisboa,Portugal) e coa participación do artista en Holland Art Fair (Den Haag,Holanda)
http://www.galeria-arte.es/antonio-pessoa/2-30-2-30.htm
Antonio Pessoa
Dende Panderas Galeria de Arte queremos achegarvos a obra do pintor Antonio Pessoa. Unha obra imaxinativa, comunicativa, de gran soltura técnica, erudítamente escrita por un mago do pincel
Antonio Pessoa comezou os seus estudos en Holanda, participando en diversos WorkShops,o cal imprimiu na sua obra a maestría da tradicional e esixente Escola de Flandes.
Ós 31 anos, deixa a sua actividade como músico de Jazz para dedicarse en corpo e alma á pintura.
Entre 1997 y 2001, Antonio Pessoa viviu entre Vigo e Oporto, polo tanto a sua obra foi inevitablemente influenciada pola pintura galega.
Nomes como Xaime Quessada, Rafael Alonso, Lodeiro, Laxeiro, entre outros,tiveron na sua obra unha influencia decisiva e fórtemente lexible todavía.
Sen embargo, Antonio Pessoa soubo prestar á nova pintura galega unha refrescante solución plástica e temática, opcións quizais algo mais vangardistas, algo mais mezcladas co panorama estético internacional das artes plásticas.
Antonio Pessoa expón duas veces -Octubre y Noviembre 2004- en Chicago, na David Leonardis Gallery.
O seu primeiro contacto co público americano déixalle unha pegada de positivismo e unha fiestra aberta rumbo a un novo futuro no outro lado do Atlántico.
No 2005, Antonio Pessoa deixa a pintura para volver ao debuxo puro. En palabras do artista:"Para min os debuxos son os meus verdadeiros e mais genuinos orixinais. O debuxo puro é a base primordial de todo o meu trabajo sobre lenzo".
O artista tranquilízase no seu método, disciplina, relixiósamente dedicado ao seu traballo como o excelente profesional da Arte Contemporánea que é.
2006 segue cunha exposición no prestixioso Hotel Lapa (Lisboa,Portugal) e coa participación do artista en Holland Art Fair (Den Haag,Holanda)
Colmeiro
Manuel Colmeiro Guimarás nace en Silleda (Pontevedra) en 1901. Siendo muy pequeño, su familia se instala en Buenos Aires, en donde inició sus estudios, aunque en realidad carece de formación académica. Fueron sus compañeros el argentino Demetrio Urruchúa y los españoles Pompeyo Audivert y Plana Casas.
Realizó su primera exposición en Vigo en 1928 en los salones del Faro de Vigo. La Diputación provincial de Pontevedra le concedió pensión para estudiar en París, donde estableció su residencia durante muchos años. De regreso a España se recluyó en su casa de la aldea de San Fiz, cerca de Silleda, aunque su presencia en Vigo es frecuente. Hizo exposiciones en numerosas ciudades del mundo. De carácter antológico las tuvo en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid en París y en otras ciudades importantes.
El intimismo, el concepto lírico de los ambientes, un bucolismo siempre dominante caracterizan la obra de este pintor, identificado con la Escuela Española de París, de la que formó parte como miembro destacado, aunque al fin sea gallego, en cuanto su pincel ambienta, crea y personaliza.
Está representado en museos de todo el mundo, y cuenta con salas monográficas en el de Vigo. Rechaza el museo personal, aunque sí estaría dispuesto a colaborar con su obra en un gran museo de Galicia, a cuya creación prestaría todo su apoyo.
Su pintura parte de los modos post cezannescos, y en cierta manera queda siempre patente la influencia francesa de las consecuencias del impresionismo, aunque, donde quiera que haya residido, Colmeiro es siempre: ferias campestres, escenas del trabajo rural, faenas domésticas, entre las que destaca la elaboración del pan. Sus paisajes y bodegones llegan a la pura síntesis formal y están construidos directamente con el color.
Enemigo del protagonismo, renuncia a homenajes, jurados y cualquier otra forma de exhibición personal. Suele trabajar en varios cuadros al mismo tiempo, porque gusta de "calentar las teclas", en un proceso mental perfectamente graudado, casi orquestal, aunque su música, deliberadamente, es de cámara, sin ninguna grandilocuencia. Su dibujo es esquemático.
Fallece en Salvaterra do Miño (Pontevedra) en 1999.
Manuel Colmeiro Guimarás nace en Silleda (Pontevedra) en 1901. Siendo muy pequeño, su familia se instala en Buenos Aires, en donde inició sus estudios, aunque en realidad carece de formación académica. Fueron sus compañeros el argentino Demetrio Urruchúa y los españoles Pompeyo Audivert y Plana Casas.
Realizó su primera exposición en Vigo en 1928 en los salones del Faro de Vigo. La Diputación provincial de Pontevedra le concedió pensión para estudiar en París, donde estableció su residencia durante muchos años. De regreso a España se recluyó en su casa de la aldea de San Fiz, cerca de Silleda, aunque su presencia en Vigo es frecuente. Hizo exposiciones en numerosas ciudades del mundo. De carácter antológico las tuvo en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid en París y en otras ciudades importantes.
El intimismo, el concepto lírico de los ambientes, un bucolismo siempre dominante caracterizan la obra de este pintor, identificado con la Escuela Española de París, de la que formó parte como miembro destacado, aunque al fin sea gallego, en cuanto su pincel ambienta, crea y personaliza.
Está representado en museos de todo el mundo, y cuenta con salas monográficas en el de Vigo. Rechaza el museo personal, aunque sí estaría dispuesto a colaborar con su obra en un gran museo de Galicia, a cuya creación prestaría todo su apoyo.
Su pintura parte de los modos post cezannescos, y en cierta manera queda siempre patente la influencia francesa de las consecuencias del impresionismo, aunque, donde quiera que haya residido, Colmeiro es siempre: ferias campestres, escenas del trabajo rural, faenas domésticas, entre las que destaca la elaboración del pan. Sus paisajes y bodegones llegan a la pura síntesis formal y están construidos directamente con el color.
Enemigo del protagonismo, renuncia a homenajes, jurados y cualquier otra forma de exhibición personal. Suele trabajar en varios cuadros al mismo tiempo, porque gusta de "calentar las teclas", en un proceso mental perfectamente graudado, casi orquestal, aunque su música, deliberadamente, es de cámara, sin ninguna grandilocuencia. Su dibujo es esquemático.
Fallece en Salvaterra do Miño (Pontevedra) en 1999.
Arte Manz
Arte Manz
lo largo de este tiempo, ArteManz se ha convertido en un referente en Pintores gallegos, especializándose en los siglos XIX, XX y XXI. Entre sus fondos destacan grandes maestros de cada movimiento y época hasta la actualidad.
Manuel Abelenda, Arguelles, Bello Piñeiro, César Otero, Colmeiro, Granell, LLoréns, Grandío, Corral, Kaydeda, Labra, Laxeiro, Lodeiro, Mampaso, Torres, Maruja Mallo, Murguía, Seoane, Avendaño, Lugrís, entre otros pintores históricos.
Alfonso Costa, Ana Lamuño, Barreiro, Cabanas, Cabezas, Caneda, Caruncho, Castillo, Chelín, Correa Corredoira, Deside, Gago, Espiral, García Patiño, Isaac Díaz Pardo, José Luís de Dios, Jaime Quesada, Jano Muñoz, Lugrís Vadillo, Marc Quintana, Murado, Nóvoa, Pablo Orza, Peteiro, Quintana Martelo, Gutiérrez de la Concha, Sucasas, Guillot, entre otros pintores contemporáneos
El objetivo de ArteManz es difundir el arte gallego con un espíritu de coleccionismo a través de un asesoramiento personalizado a sus clientes. Las obras que se presentan en el website son sólo una muestra del amplio stock del que dispone ArteManz para usted.
lo largo de este tiempo, ArteManz se ha convertido en un referente en Pintores gallegos, especializándose en los siglos XIX, XX y XXI. Entre sus fondos destacan grandes maestros de cada movimiento y época hasta la actualidad.
Manuel Abelenda, Arguelles, Bello Piñeiro, César Otero, Colmeiro, Granell, LLoréns, Grandío, Corral, Kaydeda, Labra, Laxeiro, Lodeiro, Mampaso, Torres, Maruja Mallo, Murguía, Seoane, Avendaño, Lugrís, entre otros pintores históricos.
Alfonso Costa, Ana Lamuño, Barreiro, Cabanas, Cabezas, Caneda, Caruncho, Castillo, Chelín, Correa Corredoira, Deside, Gago, Espiral, García Patiño, Isaac Díaz Pardo, José Luís de Dios, Jaime Quesada, Jano Muñoz, Lugrís Vadillo, Marc Quintana, Murado, Nóvoa, Pablo Orza, Peteiro, Quintana Martelo, Gutiérrez de la Concha, Sucasas, Guillot, entre otros pintores contemporáneos
El objetivo de ArteManz es difundir el arte gallego con un espíritu de coleccionismo a través de un asesoramiento personalizado a sus clientes. Las obras que se presentan en el website son sólo una muestra del amplio stock del que dispone ArteManz para usted.
miércoles, 22 de agosto de 2007
Galeria SCQ
Triálogos !!!!
La idea inicial parte de Adolfo Sobrino, director de la Galería SCQ, que se propuso convertir la exposición de cierre de cada temporada en una invitación anual a un comisario independiente para desarrollar una propuesta expositiva específica para el espacio de la galería. Dicha propuesta contempla, en su amplitud, un punto de partida muy concreto: la exposición será sólo de 2 artistas.
El primer comisario invitado ha sido Seve Penelas, nacido en Pontevedra, pero residente en Madrid desde 1999, donde trabaja como Editor Asociado en el grupo de revistas de arte EXIT.
Con estas premisas, y bajo el nombre de TRIÁLOGOS #1, Seve Penelas ha querido renombrar y reafirmar la idea de base que encierra este proyecto: un diálogo entre dos artistas propuesto a partir de una tercera persona, representada por la figura del comisario invitado.
De esta manera, TRIÁLOGOS #1, está constituida por el diálogo entre la obra de dos artistas, a primera vista, muy dispares: el escultor CARLOS RIAL (Lage, Alemania, 1969), que vive y trabaja en Dena, Pontevedra; y el fotógrafo MIGUEL ANGEL TORNERO (Baeza, Jaén, 1978), que vive y trabaja en Madrid.
Este diálogo pasa por construir un ambiente, una presentación del trabajo de ambos de manera que se contrasten, pero también se contaminen las lecturas de una y otra obra. La convivencia de lenguajes tan física y técnicamente diferenciados como son la escultura, con la presencia tridimensional del objeto, y la fotografía, con las cualidades evocadoras y narrativas de la imagen, pueden suponer de partida un extraño maridaje. Pero es precisamente esta noción de extrañeza la que asalta al espectador y termina por socavar su percepción al encontrarse con el trabajo de Rial y Tornero. Lo aparentemente cotidiano, reconocible en sus formas y sus escenas, se convierte, tras una visión más pausada, en reacciones extrañas e inquietantes, con un aire de cierta solemnidad y misterio a la par.
El trabajo de Carlos Rial supone una ocupación del espacio a partir de construcciones y objetos alterados, descontextualizados –en esta ocasión medianas de autopista alineadas, construcciones cilíndricas con casetones a modo de archivadores internos, globos como zepellines varados contra el techo de la galería-, que viene a continuar su trayectoria iniciada a finales de los años 80. La aparente austeridad del cromatismo y los materiales, así como la pureza de las formas otorga a su trabajo valores casi minimalistas y herméticos, pero que en el fondo deslizan alusiones diversas a la infancia, lo lúdico, lo militar, lo totémico incluso.
En el caso de las fotografías de Miguel Ángel Tornero, la tradición de la mirada pictórica supondría un punto de partida, tanto como la puesta en escena y la manipulación digital -más propias del mundo fotográfico-, implicaría una continuación que tiene sus enlaces con artistas como Jeff Wall, Gregory Crewdson, incluso el cine de David Lynch. Pero a la postre, es la confluencia de narratividad y evocación la que genera ese ambiente de extraña familiaridad en sus imágenes, unas más interiores y sutilmente barrocas, y otras más nocturnas y exteriores, como las que predominan en esta su primera exposición en tierras gallegas.
En el plano curricular reciente cabe destacar, por la parte de Carlos Rial, su exposición del Espazo Anexo, en el MARCO de Vigo, abierta hasta el 26 de agosto, además de su participación como finalista en la IV Bienal de Escultura Pública Riofisa, en Madrid. En cuanto a Miguel Ángel Tornero acaba de recibir el Primer Premio en el Concurso de Fotografía Purificación García 2007, y viene de clausurar la exposición Por ahora (todo va bien), ocupando las 5 plantas de la Galería Luis Adelantado, en Valencia.
Triálogos !!!!
La idea inicial parte de Adolfo Sobrino, director de la Galería SCQ, que se propuso convertir la exposición de cierre de cada temporada en una invitación anual a un comisario independiente para desarrollar una propuesta expositiva específica para el espacio de la galería. Dicha propuesta contempla, en su amplitud, un punto de partida muy concreto: la exposición será sólo de 2 artistas.
El primer comisario invitado ha sido Seve Penelas, nacido en Pontevedra, pero residente en Madrid desde 1999, donde trabaja como Editor Asociado en el grupo de revistas de arte EXIT.
Con estas premisas, y bajo el nombre de TRIÁLOGOS #1, Seve Penelas ha querido renombrar y reafirmar la idea de base que encierra este proyecto: un diálogo entre dos artistas propuesto a partir de una tercera persona, representada por la figura del comisario invitado.
De esta manera, TRIÁLOGOS #1, está constituida por el diálogo entre la obra de dos artistas, a primera vista, muy dispares: el escultor CARLOS RIAL (Lage, Alemania, 1969), que vive y trabaja en Dena, Pontevedra; y el fotógrafo MIGUEL ANGEL TORNERO (Baeza, Jaén, 1978), que vive y trabaja en Madrid.
Este diálogo pasa por construir un ambiente, una presentación del trabajo de ambos de manera que se contrasten, pero también se contaminen las lecturas de una y otra obra. La convivencia de lenguajes tan física y técnicamente diferenciados como son la escultura, con la presencia tridimensional del objeto, y la fotografía, con las cualidades evocadoras y narrativas de la imagen, pueden suponer de partida un extraño maridaje. Pero es precisamente esta noción de extrañeza la que asalta al espectador y termina por socavar su percepción al encontrarse con el trabajo de Rial y Tornero. Lo aparentemente cotidiano, reconocible en sus formas y sus escenas, se convierte, tras una visión más pausada, en reacciones extrañas e inquietantes, con un aire de cierta solemnidad y misterio a la par.
El trabajo de Carlos Rial supone una ocupación del espacio a partir de construcciones y objetos alterados, descontextualizados –en esta ocasión medianas de autopista alineadas, construcciones cilíndricas con casetones a modo de archivadores internos, globos como zepellines varados contra el techo de la galería-, que viene a continuar su trayectoria iniciada a finales de los años 80. La aparente austeridad del cromatismo y los materiales, así como la pureza de las formas otorga a su trabajo valores casi minimalistas y herméticos, pero que en el fondo deslizan alusiones diversas a la infancia, lo lúdico, lo militar, lo totémico incluso.
En el caso de las fotografías de Miguel Ángel Tornero, la tradición de la mirada pictórica supondría un punto de partida, tanto como la puesta en escena y la manipulación digital -más propias del mundo fotográfico-, implicaría una continuación que tiene sus enlaces con artistas como Jeff Wall, Gregory Crewdson, incluso el cine de David Lynch. Pero a la postre, es la confluencia de narratividad y evocación la que genera ese ambiente de extraña familiaridad en sus imágenes, unas más interiores y sutilmente barrocas, y otras más nocturnas y exteriores, como las que predominan en esta su primera exposición en tierras gallegas.
En el plano curricular reciente cabe destacar, por la parte de Carlos Rial, su exposición del Espazo Anexo, en el MARCO de Vigo, abierta hasta el 26 de agosto, además de su participación como finalista en la IV Bienal de Escultura Pública Riofisa, en Madrid. En cuanto a Miguel Ángel Tornero acaba de recibir el Primer Premio en el Concurso de Fotografía Purificación García 2007, y viene de clausurar la exposición Por ahora (todo va bien), ocupando las 5 plantas de la Galería Luis Adelantado, en Valencia.
domingo, 19 de agosto de 2007
La panorámica plástica gallega en la segunda mitad del siglo xx
El panorama del arte gallego de la segunda mitad del siglo xx no difiere demasiado de las tendencias que rigen las artes plásticas a nivel internacional. También en Galicia se constata en un primer momento el rechazo frontal a la figuración que lleva a los movimientos abstractos. Y, al tiempo que se exploran estos caminos expresivos, sigue vigente la obra de los renovadores, como Seoane, Maside o Laxeiro, que continúan en activo.
La abstracción
La abstracción es el camino expresivo elegido por cuatro artistas gallegos que se forman en Madrid, como la mayor parte de los artistas del momento, y que deciden afincarse en la capital. Lago Rivera, Manuel Mampaso, José María Labra y Suárez Molezún se convirtieron en los mejores representantes de la abstracción nacional. Todos ellos unen las características propias del movimiento a una temática en la que está presente la realidad gallega.
Lago Rivera, cuyas primeras obras figurativas no permitían adivinar el lenguaje abstracto por el que se decidió en su madurez, remite al equilibrio espacial y al color, a los valores que Kandinsky había adoptado en gran parte de su trabajo. En obras como Sombra gris y rosa, o en Composición en rojo y amarillo se puede apreciar el influjo del colorido de Kandinsky.
Mampaso dedicó toda una serie de obras, titulada Redes, a este tema. En ellas el elemento fundamental son las redes que aparecen tanto bajo forma pictórica como en collages, claveteadas o estiradas sobre la pintura, lo que remite al cubismo sintético. Verdes y redes o Rojo, gris y negro son buena muestra de esta manera de concebir la abstracción. En los últimos años, el autor indaga nuevos caminos expresivos y recupera la figuración, aunque a través del expresionismo, la corriente figurativa más seguida a partir de los años 80.
José María Labra, en cambio, se inició dentro de la figuración, en concreto en la temática religiosa, para convertirse posteriormente en el principal representante de la abstracción española a nivel internacional. Los temas marinos aparecen también en su obra en la serie titulada Tensiones. Pero su característica fundamental son las formas geométricas, con las que ensaya diferentes colocaciones y ópticas, como en Trígono tántrico (1984). Dentro de su trayectoria artística merecen especial atención los grandes murales, en los que mezcla sabiamente la técnica pictórica y escultórica.
Pero además de estos artistas, cuya labor artística desarrolla fuera de Galicia, también dentro la comunidad se cultiva la abstracción. Algunos autores emplean los recursos del op art, como Xosé Lodeiro, que muestra algunas creaciones en las que prevalecen la abstracción geométrica y los recursos ópticos. En sus obras es fundamental la presencia del color; utiliza los contrastes entre la gama cálida, preferentemente rojos y naranjas, y los azules y grises de la gama fría. Otros artistas, como Francisco Mantecón, presentan obras que recuerdan, por la composición, la técnica creada por Rotko, el color-field painting. Así se ponee de manifiesto, por ejemplo, en Sin título 73.
El informalismo
Está muy bien representado por Reimundo Patiño (1936-1985), artista comprometido que une las innovaciones estéticas con su compromiso con Galicia.
Según sus propias palabras, buscaba la ruptura total de la composición, el caos de las formas como premisa fundamental. El resultado es una obra original, mezcla de diferentes técnicas y soportes y con una gran presencia del color. Su obsesión por la plasmación del caos cósmico le lleva a la creación de series como la titulada Vainamoinen o el ciclo dedicado a los Hombres, pájaros, máquinas y ciudades. En ellas, la presencia de formas geométricas y concéntricas, las formas ovoides y los soles dinámicos se mezclan con un colorido en el que predominan los tonos azules, por oposición a los rojos solares. Su afán vanguardista le indujo a ser de los primeros que realizaron performances y happening en la madrileña galería Redor.
La nueva figuración
Al inicio de la década de 1960 el informalismo dejó de interesar, en parte porque su lenguaje era insuficiente para transmitir un mensaje político o social.
El término nueva figuración engloba a manifestaciones bastante heterogéneas que introducen la figura humana y cuyo común denominador es el intento de reflejar los conflictos de la época. Son pintores que se implican ideológicamente y se manifiestan, a veces, a través de asociaciones como O Facho y O Galo, de forma similar a como ocurría en el resto de España con grupos como El Paso.
Estilísticamente, más que de tendencias hay que hablar de individualidades que oscilan entre el expresionismo, el pop y el realismo intimista. De todas estas tendencias, la de mayor aceptación es la expresionista, cultivada entre otros por Xaime Quessada y Alfonso Sucasas.
Xaime Quessada, junto con el escultor Acisclo Manzano, constituye uno de los intentos de renovación de la plástica gallega desde Galicia. Quessada se identifica con el expresionismo y la ruptura del pop-art. Según el propio artista, el cambio constante no supone la aceptación de todas las vanguardias, solo es una investigación y una ruptura con el arte conservador. Esta forma de concebir el arte, compartida por la mayor parte de los creadores del momento, explica la evolución que se observa en la obra de este autor. En un primer momento, en torno a la década de 1960, sus obras presentaban un marcado carácter expresionista, muy influido por la obra de Bacon, que se evidencia en O dictador y O xenocidio. Posteriormente, sus lienzos evolucionaron, su paleta se aclaró y la carga expresiva disminuyó, dando lugar a obras más alegres (O unicornio, O cabalo verde). Es un tipo de obra más decorativa que comprometida, que se inicia en la década de 1980 y que se sigue manteniendo en la última década del siglo (Interior vermello, 1992). En todas ellas prima la valoración estética sobre la expresiva.
La obra de Alfonso Sucasas se mueve dentro del realismo; presenta una pintura muy comprometida con el nacionalismo, por lo que en sus temas aparecen elementos identificativos de Galicia. En su obra se puede apreciar la presencia de una religiosidad ingenua, que nos remite a la obra de Chagall y en la que el pueblo anónimo y afincado en la tierra es el personaje fundamental de sus cuadros. Como todos los artistas de la segunda mitad del siglo xx, indaga en diferentes campos expresivos; en la representación de algunos de sus personajes se pueden apreciar rasgos de primitivismo. Estos rasgos son apreciables en Expulsión de Arousa, de 1999, que trata el tema religioso desde una óptica muy particular, o en Bañistas (1999).
Otro artista que sigue los preceptos de la nueva figuración es Urbano Lugrís Vadillo, cuya obra se acerca más al surrealismo, al mundo de los sueños infantiles. Su temática, en la que el mar es un claro referente, está muy influenciada por los relatos de Julio Verne, y en su tratamiento aparecen rasgos que recuerdan al romanticismo decimonónico, como en Paisaje. Obras como Onda de 1980 o Menina de 1995 son una muestra de su estilo pictórico.
El retorno a la figuración llevó también al camino iniciado por autores como Estes o Antonio López: el hiperrrealismo, muy bien representado por un nutrido grupo de artistas como Rogelio Fuente, Elena Gago o Roberto González.
En la obra de Elena Gago prima la valoración de los espacios, semejante a la síntesis geométrica del cubismo, y la ausencia de la figura humana. La técnica puntillista que utiliza dota a sus lienzos de una textura granular que les confiere unas calidades características. En ellos el predominio de la línea es llamativo; el tema elegido semeja una mera excusa para el desarrollo espacial, que es su interés constante. La armonía del color y el dominio de una gama cromática determinada en cada composición, bien la de ocres y marrones, bien la de negros y grises, son características que se aprecian en toda su obra. Presenta tanto interiores de tipo industrial como espacios íntimos, alcobas o salas de estar. En Interior 2001 o Cama de Caxemira 1986 se perciben estas características.
Por su parte, en la producción de Rogelio Fuente, obras como Verano en el balneario, de 1981, muestran una atención al detalle que remite a las obras de Richard Estes o Antonio López, en el intento de fijar un instante concreto de rincones comunes. En muchos de sus lienzos se juega con los reflejos, con imágenes superpuestas de un notable realismo. Es el caso de Lembranza dun verán.
Lo mismo ocurre con el monfortino Roberto González, uno de los más prestigiosos realistas a nivel nacional e internacional. Su obra se centra en la figura humana y su capacidad de sentimiento, tratada a veces con un sentido dramático que retrotrae a la escenografía barroca. Una de sus series más representativas es la titulada Deaym (De amor y muerte) realizada en 1994.
Otros artistas, como Jesús Caulonga, cultivan temas más cotidianos, con una cierta predilección hacia los bodegones o las palomas. En su obra se observa la combinación de la técnica pictórica y escultórica. Llama la atención el marcado carácter minimalista de las composiciones, como en Paloma o en el relieve en bronce titulado Mujer cosiendo.
El panorama del arte gallego de la segunda mitad del siglo xx no difiere demasiado de las tendencias que rigen las artes plásticas a nivel internacional. También en Galicia se constata en un primer momento el rechazo frontal a la figuración que lleva a los movimientos abstractos. Y, al tiempo que se exploran estos caminos expresivos, sigue vigente la obra de los renovadores, como Seoane, Maside o Laxeiro, que continúan en activo.
La abstracción
La abstracción es el camino expresivo elegido por cuatro artistas gallegos que se forman en Madrid, como la mayor parte de los artistas del momento, y que deciden afincarse en la capital. Lago Rivera, Manuel Mampaso, José María Labra y Suárez Molezún se convirtieron en los mejores representantes de la abstracción nacional. Todos ellos unen las características propias del movimiento a una temática en la que está presente la realidad gallega.
Lago Rivera, cuyas primeras obras figurativas no permitían adivinar el lenguaje abstracto por el que se decidió en su madurez, remite al equilibrio espacial y al color, a los valores que Kandinsky había adoptado en gran parte de su trabajo. En obras como Sombra gris y rosa, o en Composición en rojo y amarillo se puede apreciar el influjo del colorido de Kandinsky.
Mampaso dedicó toda una serie de obras, titulada Redes, a este tema. En ellas el elemento fundamental son las redes que aparecen tanto bajo forma pictórica como en collages, claveteadas o estiradas sobre la pintura, lo que remite al cubismo sintético. Verdes y redes o Rojo, gris y negro son buena muestra de esta manera de concebir la abstracción. En los últimos años, el autor indaga nuevos caminos expresivos y recupera la figuración, aunque a través del expresionismo, la corriente figurativa más seguida a partir de los años 80.
José María Labra, en cambio, se inició dentro de la figuración, en concreto en la temática religiosa, para convertirse posteriormente en el principal representante de la abstracción española a nivel internacional. Los temas marinos aparecen también en su obra en la serie titulada Tensiones. Pero su característica fundamental son las formas geométricas, con las que ensaya diferentes colocaciones y ópticas, como en Trígono tántrico (1984). Dentro de su trayectoria artística merecen especial atención los grandes murales, en los que mezcla sabiamente la técnica pictórica y escultórica.
Pero además de estos artistas, cuya labor artística desarrolla fuera de Galicia, también dentro la comunidad se cultiva la abstracción. Algunos autores emplean los recursos del op art, como Xosé Lodeiro, que muestra algunas creaciones en las que prevalecen la abstracción geométrica y los recursos ópticos. En sus obras es fundamental la presencia del color; utiliza los contrastes entre la gama cálida, preferentemente rojos y naranjas, y los azules y grises de la gama fría. Otros artistas, como Francisco Mantecón, presentan obras que recuerdan, por la composición, la técnica creada por Rotko, el color-field painting. Así se ponee de manifiesto, por ejemplo, en Sin título 73.
El informalismo
Está muy bien representado por Reimundo Patiño (1936-1985), artista comprometido que une las innovaciones estéticas con su compromiso con Galicia.
Según sus propias palabras, buscaba la ruptura total de la composición, el caos de las formas como premisa fundamental. El resultado es una obra original, mezcla de diferentes técnicas y soportes y con una gran presencia del color. Su obsesión por la plasmación del caos cósmico le lleva a la creación de series como la titulada Vainamoinen o el ciclo dedicado a los Hombres, pájaros, máquinas y ciudades. En ellas, la presencia de formas geométricas y concéntricas, las formas ovoides y los soles dinámicos se mezclan con un colorido en el que predominan los tonos azules, por oposición a los rojos solares. Su afán vanguardista le indujo a ser de los primeros que realizaron performances y happening en la madrileña galería Redor.
La nueva figuración
Al inicio de la década de 1960 el informalismo dejó de interesar, en parte porque su lenguaje era insuficiente para transmitir un mensaje político o social.
El término nueva figuración engloba a manifestaciones bastante heterogéneas que introducen la figura humana y cuyo común denominador es el intento de reflejar los conflictos de la época. Son pintores que se implican ideológicamente y se manifiestan, a veces, a través de asociaciones como O Facho y O Galo, de forma similar a como ocurría en el resto de España con grupos como El Paso.
Estilísticamente, más que de tendencias hay que hablar de individualidades que oscilan entre el expresionismo, el pop y el realismo intimista. De todas estas tendencias, la de mayor aceptación es la expresionista, cultivada entre otros por Xaime Quessada y Alfonso Sucasas.
Xaime Quessada, junto con el escultor Acisclo Manzano, constituye uno de los intentos de renovación de la plástica gallega desde Galicia. Quessada se identifica con el expresionismo y la ruptura del pop-art. Según el propio artista, el cambio constante no supone la aceptación de todas las vanguardias, solo es una investigación y una ruptura con el arte conservador. Esta forma de concebir el arte, compartida por la mayor parte de los creadores del momento, explica la evolución que se observa en la obra de este autor. En un primer momento, en torno a la década de 1960, sus obras presentaban un marcado carácter expresionista, muy influido por la obra de Bacon, que se evidencia en O dictador y O xenocidio. Posteriormente, sus lienzos evolucionaron, su paleta se aclaró y la carga expresiva disminuyó, dando lugar a obras más alegres (O unicornio, O cabalo verde). Es un tipo de obra más decorativa que comprometida, que se inicia en la década de 1980 y que se sigue manteniendo en la última década del siglo (Interior vermello, 1992). En todas ellas prima la valoración estética sobre la expresiva.
La obra de Alfonso Sucasas se mueve dentro del realismo; presenta una pintura muy comprometida con el nacionalismo, por lo que en sus temas aparecen elementos identificativos de Galicia. En su obra se puede apreciar la presencia de una religiosidad ingenua, que nos remite a la obra de Chagall y en la que el pueblo anónimo y afincado en la tierra es el personaje fundamental de sus cuadros. Como todos los artistas de la segunda mitad del siglo xx, indaga en diferentes campos expresivos; en la representación de algunos de sus personajes se pueden apreciar rasgos de primitivismo. Estos rasgos son apreciables en Expulsión de Arousa, de 1999, que trata el tema religioso desde una óptica muy particular, o en Bañistas (1999).
Otro artista que sigue los preceptos de la nueva figuración es Urbano Lugrís Vadillo, cuya obra se acerca más al surrealismo, al mundo de los sueños infantiles. Su temática, en la que el mar es un claro referente, está muy influenciada por los relatos de Julio Verne, y en su tratamiento aparecen rasgos que recuerdan al romanticismo decimonónico, como en Paisaje. Obras como Onda de 1980 o Menina de 1995 son una muestra de su estilo pictórico.
El retorno a la figuración llevó también al camino iniciado por autores como Estes o Antonio López: el hiperrrealismo, muy bien representado por un nutrido grupo de artistas como Rogelio Fuente, Elena Gago o Roberto González.
En la obra de Elena Gago prima la valoración de los espacios, semejante a la síntesis geométrica del cubismo, y la ausencia de la figura humana. La técnica puntillista que utiliza dota a sus lienzos de una textura granular que les confiere unas calidades características. En ellos el predominio de la línea es llamativo; el tema elegido semeja una mera excusa para el desarrollo espacial, que es su interés constante. La armonía del color y el dominio de una gama cromática determinada en cada composición, bien la de ocres y marrones, bien la de negros y grises, son características que se aprecian en toda su obra. Presenta tanto interiores de tipo industrial como espacios íntimos, alcobas o salas de estar. En Interior 2001 o Cama de Caxemira 1986 se perciben estas características.
Por su parte, en la producción de Rogelio Fuente, obras como Verano en el balneario, de 1981, muestran una atención al detalle que remite a las obras de Richard Estes o Antonio López, en el intento de fijar un instante concreto de rincones comunes. En muchos de sus lienzos se juega con los reflejos, con imágenes superpuestas de un notable realismo. Es el caso de Lembranza dun verán.
Lo mismo ocurre con el monfortino Roberto González, uno de los más prestigiosos realistas a nivel nacional e internacional. Su obra se centra en la figura humana y su capacidad de sentimiento, tratada a veces con un sentido dramático que retrotrae a la escenografía barroca. Una de sus series más representativas es la titulada Deaym (De amor y muerte) realizada en 1994.
Otros artistas, como Jesús Caulonga, cultivan temas más cotidianos, con una cierta predilección hacia los bodegones o las palomas. En su obra se observa la combinación de la técnica pictórica y escultórica. Llama la atención el marcado carácter minimalista de las composiciones, como en Paloma o en el relieve en bronce titulado Mujer cosiendo.
Eugenio Granell
Eugenio Granell nace en La Coruña en 1912. Estudió el bachillerato en Santiago de Compostela y se trasladó a Madrid a finales de la década de los veinte, para continuar su vocación musical.
Acude a tertulias en el Madrid republicano y conoce a las principales figuras literarias, inclusive a Valle-Inclán.
En el periodo derechista de la República es detenido, pasa varios meses en la Cárcel Modelo de Madrid. Se integra en el POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista). Durante la contienda, como militante republicano, es destinado a Valencia y Cataluña. Más tarde pasará al frente de Aragón.
La derrota republicana en la guerra civil le lleva al exilio. En Francia vive los campos de concentración, de algunos de los cuales consiguió fugarse. Conoce la invasión nazi. Consigue viajar a América en la diáspora republicana, con recuerdos de escritores como Orwell y Peret, que ha conocido.
Se unirá a las corrientes surrealistas, y llegará a exponer en Marx Ernst, Wifredo Lam y otros de ese movimiento, no las conocía antes de concluir la guerra sino por referencias del orensano Cándido Fernández Mazas Se vincula a esos modos de expresión plástica cuando se encuentra en el Caribe, en Santo Domingo. Destaca tan pronto, que su primer gran cuadro lo adquiere el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Conoce a los grandes surrealistas franceses, incluido el «papa» André Breton.
La dictadura del general Rafael Leónidas Trujillo le invita a cambiar de isla, y marcha a Puerto Rico, donde establece contactos con intelectuales exiliados, como Juan Ramón Jiménez, Federico de Onis, Américo Castro. Nuevo salto, a Estados Unidos; en concreto a Nueva York, donde es profesor algunos años, hasta jubilarse como emérito del Brooklin College, tras doctorarse.
Algunas de sus obras literarias se reeditan en España, como «Lo que sucedió...», que había obtenido el premio Don Quijote en 1967. Regresa con fama bien asentada de pintor, y sus exposiciones se suceden en España, con grandes elogios de la crítica. Exposiciones monumentales de su obra son las que se realizan en A Coruña y en el Centro Cultural de Caixavigo. Su obra está en museos de todo el mundo. Guarda escritos y testimonios de André Breton, Juan Ramón Jiménez, Jorge Guillén, Miró, Pablo Neruda.
La pintura es cromatismo, en carmines, verdes, azules, negros, está dicho en siluetas perfectamente delimitadas, y sobre fondos contrastantes. Algo, y no poco, queda de las expresiones de Alberto Sánchez, con Julio González, innovador de formas que ha conocido este siglo.
Eugenio Granell nace en La Coruña en 1912. Estudió el bachillerato en Santiago de Compostela y se trasladó a Madrid a finales de la década de los veinte, para continuar su vocación musical.
Acude a tertulias en el Madrid republicano y conoce a las principales figuras literarias, inclusive a Valle-Inclán.
En el periodo derechista de la República es detenido, pasa varios meses en la Cárcel Modelo de Madrid. Se integra en el POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista). Durante la contienda, como militante republicano, es destinado a Valencia y Cataluña. Más tarde pasará al frente de Aragón.
La derrota republicana en la guerra civil le lleva al exilio. En Francia vive los campos de concentración, de algunos de los cuales consiguió fugarse. Conoce la invasión nazi. Consigue viajar a América en la diáspora republicana, con recuerdos de escritores como Orwell y Peret, que ha conocido.
Se unirá a las corrientes surrealistas, y llegará a exponer en Marx Ernst, Wifredo Lam y otros de ese movimiento, no las conocía antes de concluir la guerra sino por referencias del orensano Cándido Fernández Mazas Se vincula a esos modos de expresión plástica cuando se encuentra en el Caribe, en Santo Domingo. Destaca tan pronto, que su primer gran cuadro lo adquiere el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Conoce a los grandes surrealistas franceses, incluido el «papa» André Breton.
La dictadura del general Rafael Leónidas Trujillo le invita a cambiar de isla, y marcha a Puerto Rico, donde establece contactos con intelectuales exiliados, como Juan Ramón Jiménez, Federico de Onis, Américo Castro. Nuevo salto, a Estados Unidos; en concreto a Nueva York, donde es profesor algunos años, hasta jubilarse como emérito del Brooklin College, tras doctorarse.
Algunas de sus obras literarias se reeditan en España, como «Lo que sucedió...», que había obtenido el premio Don Quijote en 1967. Regresa con fama bien asentada de pintor, y sus exposiciones se suceden en España, con grandes elogios de la crítica. Exposiciones monumentales de su obra son las que se realizan en A Coruña y en el Centro Cultural de Caixavigo. Su obra está en museos de todo el mundo. Guarda escritos y testimonios de André Breton, Juan Ramón Jiménez, Jorge Guillén, Miró, Pablo Neruda.
La pintura es cromatismo, en carmines, verdes, azules, negros, está dicho en siluetas perfectamente delimitadas, y sobre fondos contrastantes. Algo, y no poco, queda de las expresiones de Alberto Sánchez, con Julio González, innovador de formas que ha conocido este siglo.
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